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SE MUEVE
Xabier Saenz de Gorbea
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Con la edición de 1996 el premio Gure Artea emprende una nueva etapa, en la que actualiza objetivos y vertebra en torno a sí una serie de actos tanto para fomentar el debate entre los distintos productores culturales como para favorecer la difusión social del arte contemporáneo.
Gure Artea evoluciona y adecua su fórmula para comportarse como marco de debate artístico y foro de comunicación social. Los cambios no sólo suponen crear estímulos a los artistas al permitir la ampliación de prácticas sin distinción y propiciar un mayor enriquecimiento en la confrontación de propuestas, materiales y procedimientos, sino también y sobre todo persiguen el potenciar la vivencia del hecho artístico, posibilitando el hábito de la lectura creativa.
Con la concesión de los Gure Artea, la institución premia la excepcionalidad de la propuesta artística y la generosa contribución creativa, sin que el autor entregue nada a cambio sino el trabajo que habitualmente realiza.
Los Gure Artea Sariak eliminan las especialidades y suprimen el escalafón. Haciendo una tabla rasa de disciplinas y galardones, se trata tanto de asumir la ecléctica realidad de la plástica contemporánea como de no ir contra la naturaleza del arte cuya esencia entra en colisión con el medallero de la competición deportiva. Además, en la anterior división encajaban no sin dificultad los distintos mestizajes y maridajes de materiales así como quedaban fuera la instalación, la performance o los distintos ámbitos vinculados al vídeo.
Ante todo, se trata de ampliar la oferta generando una plataforma de divulgación y promoción, conceptos diferenciados que deben concatenarse. Por un lado se intenta atraer y llevar a la sociedad hacia el arte. Y por otro, de implantar el conocimiento de los más importantes autores y sus obras tanto en el contexto vasco como fuera de él.
No existiendo demasiados espacios para el contraste y la comparación artística que ayuden a clarificar socialmente la valoración de los trabajos concretos, las exposiciones de los concursos son unas de las escasas oportunidades de poder analizar colectivamente y de cara a las obras. Es cierto que los premios no son la mejor ni la única manera de contrastar totalidad del espectro creativo, sin embargo cumplen un papel sobre todo cuando no existen otros foros teóricos ni abundan los marcos expositivos en los que los distintos agentes culturales expongan sus criterios.
Desde el punto de vista del creador, el certamen tiene el papel de poner las bases para que se produzca el trabajo artístico en libertad. Con el fin de renovar la actividad plástica y para el surgimiento de nuevos autores, no se ponen cortapisas y se amplían las experiencias a los campos más experimentales y alternativos cuyas actividades por su novedad y escaso apoyo, necesitan de estímulos sobreañadidos para manifestarse.
En su apertura a la sociedad, a Gure Artea le corresponde el crear las condiciones para que el espectador pueda conocer esas prácticas, para ello es importante realizar no sólo un adecuado montaje expositivo, sino también catálogos y folletos divulgativos, proporcionando las herramientas necesarias para acercarse a la obra.
Con el objeto de formar al público y a fin de despertar la atención social, se dispone un lugar en la muestra destinado a la comunicación y la información con dossieres, catálogos y diapositivas que amplían la información sobre lo expuesto, permiten contextualizar, ayudan a explicar cada pieza y tratan de promover un más intenso debate sobre el propio hecho artístico.
La existencia de guías y un programa didáctico durante todas las horas de apertura, persigue que la exposición pueda ser recibida de una manera más cercana por los distintos espectadores y niveles culturales.
Para propiciar el diálogo y la confrontación, también se organizan una serie de mesas redondas con los artistas, cuya actividad está principalmente destinada a las gentes del arte a fin de incrementar y favorecer la circulación de ideas y proyectos.
Además de las medidas tendentes a la divulgación de las artes plásticas y visuales en el contexto vasco, se va a celebrar una exposición itinerante de los ganadores por distintas ciudades del estado.
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El sujeto creativo contemporáneo es heterogéneo y sus propuestas se diseminan en gran cantidad de argumentos. La selección asume tales premisas en un arte que muchas veces es síntesis de experiencia y conocimiento.
El individuo es puesto en cuestión por obras como las de Alberto Peral o Sergio Prego. Con total consciencia, el trabajo fotográfico de Peral parafrasea "El artista como fuente" de Bruce Nauman y posibilita una revisión del sentido. No se trata de una reflexión fría e intelectual sino de una imagen cálida y sensible. Autoefigiándose de modo frontal, somete a interrogación al propio fin del artista, un yo creativo cuyas manos doradas y la máscara en forma de huevo funden los dos polos, uno -no puede vivir ni actuar sin el otro. Creando previamente el atrezzo de una realidad nueva, Prego sitúa la cámara en un espacio claustrofóbico y absolutamente cerrado. Allí y como atrapado, el individuo con espíritu de aventura no cesa en la búsqueda de algo que se escapa.
La presencia de la mujer y su rol se observa en Estíbaliz Sádaba y Susana Garay. El uso del vídeo por parte de Sádaba no trata de exaltar al medio sino de transmitir eficazmente un mensaje, cuyo fin no es aceptar el papel social femenino sino crear una dimensión crítica perturbadora. Los cuadros de Susana Garay se acercan alegóricamente al cuerpo de mujeres como colgadas y sujetas en el aire. Recordando las evocaciones femeninas de Marlene Dumas, mezcla los conflictos íntimos y los síntomas sociales que habitan en la situación solitaria de las mismas.
La ruptura de la unidad y la reflexión sobre el medio van iinpueitos en los trabajos de creadores tan diversos como José Ramón Amondarain, Luis Candaudap, Edu López, Begoña Zubero, Mikel Bergara e Iñigo Royo.
Mientras que las neo y posvanguardias de posguerra valoran la personalidad del estilo Y buscan la coherencia de la unidad propiciando cierta inmovilidad plástica, el constante cambio es una particular seña de identidad en las pinturas de Candaudap, Edu López y Amondarain. A través de las distintas extensiones de la cultura del yo, la variabilidad de su obra afirma una irrefrenable facilidad expresiva y certifica su gran capacidad creativa y productiva. Luis Candaudap rompe con el espacio monofocal y plantea una aglutinante concatenación de elementos. De modo fragmentario y secuencias exhibe gran cantidad de recursos y propone una continua interrupción plena de microsensaciones. Estructurando un todo coral, la acumulación de Edu López se produce mediante la yuxtaposición de pequeños cuadros apenas separados entre sí. Crea un zapping continuo que proporciona la idea de un yo desplazado y en continuo viaje. José Ramón Amondarain contrapone ámbitos como la pintura y la escultura por medio de una común materia pictórica. Con grandes movimientos, mueve el color de modo organizado y diseminado proporcionando valores visuales y táctiles.
Begoña Zubero rompe con el lugar común de la fijación de un instante real y propone unas imágenes cuyas condiciones abstractizantes no permiten reconocer fácilmente el motivo captado por la cámara. De modo secuencia¡ la pieza está compuesta por la suma de tres instantáneas. Sin concesiones al gusto colorista ni a las facilidades técnicas del medio, es una obra plena de reflejos luminosos que se debaten entre lo cálido y lo frío con alusiones al ojo.
El soporte elegido por Mikel Bergara e Iñigo Royo determina la conjunción de las piezas y su percepción unitaria. Bergara se apropia de lugares pertenecientes al contexto del arte. Con la reproducción de distintos espacios artísticos. tematiza el sistema expositivo, como antes hicieran creadores como Haacke en 1958 y más recientemente Louise Lawler, Themas Struth o Stephen Prina, evidenciándolo de una manera velada y despojada. Iñigo Royo utiliza el papel fotográfico sin bastidor y acepta la casuística de¡ azar con imágenes enlazadas procesualmente, como partes de un todo más complejo.
El interés por lo procesual y lo efímero es también importante en las piezas de Francisco Ruiz de Infante, Itzal y Jon Mikel Euba. La instalación de Francisco Ruiz de Infante forma parte de la serie "Bestiario" y es tan compleja y densa de sentido como todos sus últimos trabajos. El conocimiento, la memoria y el inconsciente son sus detonantes. El trabajo de Itzal ofrece la huella de un proceso, como directa consecuencia de una previa expenenciación vivencias. Entre el objeto y el sujeto hay una implicación tanto por el rastro dejado como por estar compuesto por pieles de naranjas, única comida de la artista durante siete días. Jon Mikel Euba amplía las dimensiones y propone la elaboración de un mural directamente elaborado en la sala, lugar donde el proceso configura el proyecto y lo afecta. Los grandes dibujos de caras propician una gran descarga interior que contrasta con su vocación de terminar con la exposición.
En adecuada síntesis de experiencia directa y conocimiento historiográfico, Jose Ramón Ais presenta un folleto turístico-cultural con fotografías y textos. La labor documental implica la propuesta de llevar a cabo un recorrido artístico por la ciudad. A través de la memoria del fragmento, propone un viaje contextual, mental y físico, cuyo fin es unir lo disperso, dar a conocer y reconstituir el pasado.
Lo interactivo participa en las piezas de Josu Rekalde y Asier Pérez. Rekalde busca la alianza de la oscuridad para proponer un trabajo que necesita ser activado por el espectador. La naturaleza de los distintos tipos de imágenes y sonidos dependen de la posición de un vaso sobre una mesa. Proyectado el vídeo sobre otra mesa trapezoidal, se aborda el tema de la violencia. La instalación de Asier Pérez nos introduce en una caseta metálica. De modo interactivo al entrar se pone en marcha toda una serie de elementos, desde la música o la luz hasta la cocina. Sus continuas interrupciones hacen difícil e incómoda la percepción del entorno.
La ficción y la cotidianeidad son elementos de un debate consciente en Fco. Javier Murugarren e Itziar Okariz. Murugarren concatena escenas y sonidos con riqueza de efectos visuales, frescura vivencias y sublimación secuencias. Okariz expresa hábitos tan normales como saltar y bailar. Utilizando su propio cuerpo como soporte de experiencias desde y con las que escudriñar la exterioridad, registra sus acciones en distintas fotografías y un vídeo. Arte del comportamiento que trascendentaliza los hábitos cotidianos y los convierte en percepciones entre comunes y extraordinarias. Perturba e interroga con unas imágenes asfixiantes y crea cierta ambigüedad entre la vida y el arte, proporcionando las nociones de excepcionalidad y de resistencia, paradigmas para triunfar en el sistema y las instituciones creativas.
El cuerpo queda más o menos directamente aludido e implicado en gran cantidad de trabajos. Desde en la instalación de lñigo Cabo, hasta las presencias anatómicas en las esculturas de Bene Bergado, Txaro Fontalba, Ana Laura Aláez, Javier Pérez y Dora Salazar, o las consciencias latentes de Juan Carlos Meana o Mabi Revuelta.
Bajo una doble perspectiva, litigo Cabo presenta multitud de pequeños cristales. Aparecen punzantes en el vídeo, y corno alfombra brillante en el suelo de la sala. Con los efectos cortantes en el monitor y la aparente imagen luminosa de la realidad, consigue matizar su conocimiento y evidenciar la relatividad de la mirada.
La asunción corporal tiene en Bene Bergado una idea de metamorfosis. Con un volumen compacto invita tanto a lo táctil como a lo visual, estimulando imágenes dobles. entre animal y cuerpo humano, entre natural y artificial. Txaro Fontalba fija su atención en el corazón, asume las connotaciones de sus dos piezas en directa relación con las de los materiales utilizados. Con la inclusión objetuál de sendos desatascadores, perturba su fisicidad y amplía el sentido hacia significaciones e implicaciones nuevas.
En otras piezas, cierta levedad y fragilidad material evocan volúmenes anatómicos metamórficos. La obra de Ana Laura Aláez tiene algo de parodia comiquera de lo humanoide. Con no poco humor tal ser inspira ternura e instinto de protección. Pleno de sensibilidad y vivencias íntimas. Javier Pérez alude al cuerpo mediante una camisa transparente cuyas mangas acaban en sendos globos que la sostienen flotante en el aire. Mientras que Dora Salazar propone volúmenes blomárficos, entre el delirio formal y el vigor constructivo. Siendo el reciclaje una de sus constantes, construye con hierro y cristal un jardín cuyo imaginario parece reenviamos al Bosco.
En el trabajo de Juan Carlos Meana, la presencia física del cuerpo está simplemente aludida con una especie de gran cama colocada en vertical y por despieces de yeso colgados como exvotos. Cierto sentido religioso también se desprende en el martirologio de Mabi Revuelta. Los distintos elementos penden asimismo de largas cuerdas y tienen implicaciones acerca del comportamiento cotidiano. Las historias de San Jenaro, Santa Apolonia o San Pantaleón son acompañadas de alusiones a los sufrimientos físicos mediante elementos como muelas y agujas.
El metalenguaje objetual es cosa de lbon Aranberri y Juan Carlos Román. Bajo la apariencia de una estructura primaria con vocación metalingüística, lbon Aranberri propone un objeto ambiguo y paradójico por sus relaciones de familiaridad con elementos de los juegos infantiles. La apropiación objetual le sirve a Juan Carlos Román para dirigir su mirada hacia el contexto artístico de las vanguardias históricas, cuyo fin era tanto incidir en lo estético como en la conformación de un hombre nuevo. El equilibrio articulado por platos, pelotas de ping pong y huevos, sintetiza la exquisitez formal del blanco sobre blanco de Malevitch y las recontextualizaciones objetuales de Duchamp.
Con afán de independencia Y no poco altruismo, el arte debe permanecer inasequible al desaliento, vencer a la rutina y la pereza, luchar contra la soledad y enfrentarse a los cantos de sirena del prestigio y las ventas. El poder y la riqueza representan valores ajenos a la labor intelectual y artística. Sólo la creatividad repartida en mil procedimientos y materiales es su destino. El trabajo de los productores de cultura no termina en sí mismo, debe confrontarse y tiene que abrirse al resto de la sociedad, implicando y reflejando, sensibilizando y extendiendo el conocimiento, perturbando la percepción y transgrediendo las certezas. Tachado de copista por algunos, mil veces muerto, y sin embargo se mueve.
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IBILI DABIL
Xabier Saenz de Gorbea
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Aurten, 1996ko edizio honetan, Gure Artea sariak beste bide berri bati ekin dio. Helburuak eguneratu dira eta bere inguruan beste ekintza batzuk ere antolatu dira, bai kultura sortzaileen artean eztabaida eta hausnarketa sustatzeko, bai gaur eguneko artea gizartean ahalik eta gehien zabaltzeko.
Gure Artea aurrera doa eta aldatu egiten da eta moldatu, gizartean komunikazio-gune eta arteari buruzko eztabaida leku izateko. Aldaketa horien bidez, alde batetik, pizgarriak eskaintzen zaizkie artistei, mugak zabaldu egin baitira, proposamen, prozedura eta material berri eta aberasgarriei ateak zabalduta. Eta, bestetik, eta batez ere, arte gertakaria bera bizitzeko modua indartzen da, sorkuntza eta kreatibitatea ulertu eta sentitzeko bidea emanda.
Gure Artea sarien bitartez, arte proposamenaren apartekotasuna eta sorkuntzari egindako ekarpena saritu eta eskertu nahi dira. Egileari, horren truke, egunero egiten duen lana besterik ez zaio eskatzen.
Gure Artea sarietan espezialitateak eta arlo itxiak kendu dira. Arte esparruetan eta sari-dominetan ez dago mailaketa eta gradaziorik. Era horretara, Sariak gaur eguneko plastikaren errealitate Eklektikoa bereganatzen du eta, aldi berean, artearen beraren izaera errespetatzen du, bestelakoa izan behar baitu arte munduak, kirol lehiaketetako domina zaletasunik gabea. Gainera, orain arteko banaketa horretan, material nahasketa eta uztarketa berriek eragozpen handiak izaten zituzten beren lekua aurkitzeko eta instalakuntza, performance-a eta bideoari lotutako beste esparru batzuk kanpoan geratzen ziren.
Batez ere, eskaintza zabaltzea da asmoa, horretarako, zabalkunderako eta sustapenerako abiapuntua eratuz bi kontzeptu ezberdin horiek elkarren ondoan joan behar baitira. Alde batetik, gizartea artearengana hurbiltzea eta erakartzea nahi da. Eta, bestetik, egilerik inportanteenak eta beren lanak jakinarazi nahi dira euskal inguman baita kanpoan ere.
Ez dago toki asko arte lan ezberdinak alderatu eta kontrastatzeko eta era horretara, gizartean lan konkretuak baloratzen laguntzeko. Lehiaketen erakusketak, beraz, arte lanak elkarrekin aztertu eta begiratzeko abagune ederrak izaten dira eta bakanetakoak. Sariak ez dira, eta hori egia da, sorkuntzaren ikuspegi osoa aztertzeko modurik onena, ezta bakarra ere. Baina badu zeregin bat, batez ere, beste bilgune teorikorik ez dagoenean eta sortzaileetako bakoitzak bere irizpideak azaltzeko eta erakusteko aukerak urriak direnean.
Sortzailearen ikuspegitik begiratuta, lehiaketak lan artistikoa askatasun osoaz egiteko aukera eman behar du eta horretarako oinarriak jarri. Jarduera plastiko berriak sortu eta egile zein sortzaile berriak jaio daitezen, ez da eragozpenik jartzen eta esperientziak zabaldu egiten dira arlo esperimental eta alternatiboetara, horrelako jarduera berriek hain laguntza gutxi jasotzen dute- nez, aparteko pizgarriak behar izaten baitira ager daitezen.
Gizarteari ateak zabaldu nahian, Gure Arteari dagokio baldintza eta egoera egokiak lortzea, ikusleak jarduera berri horien berri izan dezan. Eta, horretarako, garrantzi handikoa da, erakusketa muntaketa egokia egiteaz gainera, zabalkunde orri eta katalogoak banatzea, jendea lanari hurbil dakion bideak eskainita.
Eta horixe da helburua, alegia, jendea trebatzea eta gizartearen arreta bereganatzea eta horretarako jarri da erakusketaren barruan komunikazioa eta informazioa emateko toki berezi bat dossierrak, katalogoak eta diapositibak eskainita. Era horretan, ikusgai dagoenari buruzko informazioa zabalduko da, lan bakoitza azaltzen lagundu eta ekintza artistikoari berari buruzko eztabaida sendoagoa sustatzen ahaleginduko gara.
Erakusketa zabalik dagoen ordu guztietan, gidak eta programa didaktikoak egongo dira erabilgarri. Horien bitartez, erakusketa eskuragarriagoa izatea eta íkusle ezberdinengandik eta kultura maila guztietatik hurbilago egotea lortu nahi da.
Eztabaida eta elkarrizketa bultzatzeko, mahainguru batzuk ere antolatu dira artistekin. Ekintza horiek, batez ere, artearen munduan dabiltzan pertsonei zuzenduta daude, proiektu eta ideia berriak ahoz aho ibili eta erabili daitezen.
Arte plastiko eta bisual horiek euskal inguruan zabaldu eta hedatzeaz gainera, beste ekimen batzuk ere jarriko dira martxan erakusketa ibiltaria eratu dadin estatuko hiri ezberdinetatik zehar.
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Gaur eguneko sortzailea heterogeneoa da eta bere proposamenak argudio ugaritan sakabanatzen dira. Aukeraketa egiterakoan irizpide horiek hartzen dira kontuan, esperientzia eta jakintzaren laburpena eta sintesia den artegintza batean.
Gizakia bera eztabaidagai da Alberto Peral eta Sergio Pregoren lanetan, esaterako. Nahita eta horretaz ohartuta, Peralen argazki lanak "artista, iturburu" Bruce Nauman-en esaldia errepikatzen du eta sentimena aztertzen du berriz. Ez da hausnarketa hotz eta intelektual hutsa, irudi beroa eta hunkigarria ere bada. Aurrez aurre bere buruaren imajina eginez, auzitan jartzen du artistaren beraren helburua. 'Ni" sortzailearen esku urreztatuak eta arrautza itsurako maskara erabiliz, bi muturrak lotzen ditu eta bata ez da ezer bestea ez badago. Errealitate berri baten atrezzoa sorturik, Pregok espazio klaustrofobikoan eta erabat itxian kokatzen du kamera. Han, harrapatuta balego bezala, abentura gogoa duen gizabanakoa ihesi doan zerbaiten bila dabil etengabe.
Emakumezkoa eta gizartean duen zeregina agerian izango ditugu Estibaliz Sádabak eta Susana Garairen lanetan. Sádabak, esaterako, bideoa darabilkigu baina ez bitarteko hori azpimarratzearren, mezu konkretu bat modu egokian ematearren baizik. Bere helburua ez da emakumearen zeregin soziala besterik gabe onartzea, zirrara eragiten duen ikuspegi kritikoa sortzea baizik. Susana Garairen koadroak emakumearen gorputzera hurbiltzen dira modu alegorikoan, airean dindilizka baleude bezala. Mariene Dumasen esanak gogoratuz, barne-barneko auzi sakonak eta egoera bakarti horretan bizi diren gizarte ezaugarriak nahasten dira.
Unitatea haustea eta arteari buruzko hausnarketak funtsezko osagai dira oso sortzaile ezberdinengan, besteak beste, José Ramon Amondarain, Dais Candaudap, Edu Lopez, Begoña Zubero, Mikel Bergara eta Iñigo Royoren lanetan.
Gerra ondorengo neo eta posbangoardietan norberaren estilo nortasuna baloratzen da batik bat eta osotasunaren koherentzia bilatzen da, era horretara, plastikotasuna izoztuta eta, ez atzera ez aurrera, geldirik geratzen delarik. Orain, ordea, etengabeko aldaketa eta mugimendua dira zenbait autoreren ezaugarri nagusi, Candaudap, Edu Lopez eta Amondarainen kasuean, esaterako. Nitasunaren kultura era askotara azaltzen zaigu eta horien bitartez ikusten dugu lanen aldagarritasuna eta barnea kanporatzeko erraztasun geldiezina, sortzeko gaitasun izugarria erakutsita. Luis Candaudapek espazio monofokala hautsi eta elementuen kateatze bateratzailea planteatzen du. Zatika eta sekuentziaka baliabide ugaritasuna erakusten du eta, behin eta berriro etenaldiak eginez, mikrosentsazioz betetako ibilbide batetik garamatza. la bata bestaren gainean dauden koadro txikiz osatutako pilaketa agertzen zaigu Edu Lopezen metaketan. Etenik gabeko zapping-a eratzen du eta lekuz aldatuz doan nitasuna erakusten digu bukaerarik gabeko ibilbidean barrena. Jose Ramon Amondarainek esparru ezberdinak konbinatzen ditu, pintura eta eskultura, besteak beste, materia piktoriko amankomun baten bitartez. Mugimendu handiak aurkeztuz, kolorea antolatu eta sakabanatzen du higiduraz, ikusmen eta ukimen baloreak eskainiz.
Begoña Zuberok hautsi egiten du betiko ikuspegia: ez du benetako instant bat harrapatzen eta irudi abstraktatzaileen bidez ezin da ondo ikusi kamerak harrapatutakoa zer den. Sekuentziatan, hiru irudi elkartuta osatzen du lana. Teknikak eskainitako erraztasun eta koloreetatik ihes eginda, lan honetan argi distiraz betetako lana azaltzen zaigu, beroaren eta hotzaren artean zalantzan eta beti begiaren inguruan.
Mikel Bergara eta Iñigo Royok aukeratutako euskarriak, osagaien elkartasuna eta ikuspegi bateratua erakusten dizkigu. Bergara artearen kontestuari dagozkion lekuez jabetzen da. Hainbat espazio artistiko birsortuz, agerian utzita baina zeharka, erakusketa sistema bera du aztergai, Haacke-k 1958an eta, oraintsuago, Louise Lawler, Thomas Struth edo Stephen Prina sortzaileek egin zuten bezalaxe. lñigo Royok argazkitarako papera darabil eta kasualitatearen eta patuaren eragina onartzen du irudiak prozedura batean kateatuta, mundu korapilatsu baten osagai bailiran.
Etengabetasuna eta iragankortasuna aztergune garrantzitsu dira Francisco Ruiz de Infante, Itzal eta Jon Mikei Eubaren lanetan. Francisco Ruiz de Infanteren instalakuntza "Bestiario" bildumaren zatietako bat dugu eta, bere azken lanak bezalaxe, hau ere oso konplexua eta sendoa da sentimenetan. Jakintza, oroimena eta inskonszientea dira lanaren pizgarri. Itzalen lanak prozedura baten hatza eta arrastoa uzten ditu agerian, bizipenetan egindako esperimentazioaren ondorio eta emaitza gisa. Objektuaren eta subjektuaren artean inplikazio zuzena dago, bai utzitako arrastoagatik, bai laranja azalez osatua dagoelako, artistaren janari bakarra horixe izan baitzen zazpi egunean. Jon Mikel Eubak dimentsioak zabaldu eta aretoan bertan egindako horma-irudi bat proposatzen du. Prozedurak berak eratzen du proiektua eta eragin zuzena du bertan. Aurpegien irudi handien bitartez barneko zama izugarria kanporatzeko aukera ematen da, erakusketa bukatzeko gogoarekin alderatuta.
Esperientzia zuzena eta jakintza historiografikoa elkartuz Jose Ramon Aisek foileto artistiko-kulturala aurkezten digu argazki eta testuen bidez. Hirian zehar ibilbide artistikoa egiteko proposamena dakarkigu dokumentazio lanak. Zatiaren oroimenari esker bidaia kontestuala, irudimenezkoa eta fisikoa proposatzen digu. Bere helburua, sakabanatuta dagoena batzea eta iragana birsortu eta ezagutzea.
Interaktibotasuna azaltzen zaigu Josu Rekalde eta Asier Perezen lanetan. Rekaldek iluntasunaren laguntzaz baliatzen da bere lana proposatzerakoan. Ikusleak parte hartu behar du derrigorrez. Irudi eta soinu motak aldatuz joango dira, mahai gaineko edalontziaren kokapena aldatu ahala. Bideoa beste mahai trapezoidalean proiektatzen da. Bertan aztertutako gaia, indarkeria. Asier Perezen instalakuntzak txabolatxo metaliko batean sartzen gaitu. Sartzerakoan hasiko dira elementu guztiak martxan: musika, argia eta sukaldea. Sarritan eteten da eta inguruaz jabetzea zaila eta nekosoa da.
Fikzioa eta egunerokotasuna eztabaidarako gai dira Fco. Javier Murugarren eta Itziar Ortizen lanetan. Murugarrenek soinuak eta irudiak kateatzen ditu. Aberastasun handia erakusten digu: efektu bisualak, bizipen freskoak eta sekuentziaren goraipamenak. Okarizek, berriz, oso ohitura arruntak eta egunerokoak islatzen ditu, esaterako, jauzi edo dantzan egitea. Bere gorputza darabil esperientzia euskarri gisa kanpoko errealitatea aztertzeko. Bere ekintzak harrapatzen ditu argazkietan eta bideoan. Eguneroko ohiturak gainditu eta jardueraren artea irísten du. Ikuspegia aldatuta, jarrerak arrunt bezain harrigarri bihurtzen ditu. Urduri jartzen gaitu eta galderak egiten dizkigu irudi itolarriak erabiliz. Bizitzaren eta artearen arteko zubia eraikitzen du, irudi apartak eta iraunkorrak osatuta... Horiexek dira, hain zuzen, sorkuntza egiturak eta sistemak menderatzeko bideak.
Gorputza lan askotan azaltzen zaigu, zuzen zuzenean zein zeharka. Iñigo Caboren instalakuntzan hasi eta Bene Bergado, Txaro Fontalba, Ana Laura Alvarez, Javier Perez eta Dora Salazarren eskulturetako forma anatomietan bukatzeko. Horiez gainera, hortxe ditugu Juan Carlos Meana eta Mahi Revueltaren konszientzia ezkutuak ere.
lkuspegi bikoitza erabilita, lñigo Cabok milaka kristal zati aurkeztu dizkigu. Bideoan zorrotz agertzen zaizkigu eta aretoaren zoruan ere bai, alfonbra distiratsu gisa. Pantailako kristal zorrotzak eta errealitateko irudi argia nahastuta, jakintza zehazten du begiradaren erlatibotasuna agerian jarrita.
Gorputzak, Bene Bergadorengan, metamorfosi itxura hartzen du hezur-mamitzerakoan. Bolumen trinkoa agertuko zaigu, ikusteko eta ikutzeko gonbitea eginez. Irudi bikoitzak erabiltzen dira eta, naturaltasun eta artifizialtasunaren artean mugituta, ez dakigu ondo giza-gorputza ala animali gorputza ote den. Txaro Fontalbak bihotzean jartzen du bere arreta guztia. Bere bi osagaien konnotazioak onartzen ditu, erabilitako materialei zuzen-zuzenean loturik. Objektuetan, libragailu bana darabil fisikotasuna aldarazteko eta esanahi berriak ekartzeko.
Beste lan batzuetan, berriz, materiaren arintasunik eta hauskortasunak bolumen anatomiko metamorfikoak dakarzkigute burura. Ana Laura Aláezen obra gizatasunaren parodia barregarri gisa aurkezten zaigu. Umorez gainezka, samurtasun goxoa eta babeserako instintua azaleratzen dizkigu. Javier Perezek gorputza aipatzen du zeharka, alkandora transparente baten bitartez. Mahuken muturretan globo bana, alkandora airean zintzilika dutela. Bitartean, Dora Salazarrek bolumen biomorfikoak proposatzen dizkigu, forma-eldarnioaren eta eraiketa-indarraren artean. Materiaren birziklaketa agertzen zaigu behin eta berriro etengabean bere lanean. Burdinaz eta beiraz, lorategia sortu du eta horren irudiak badirudí irudimenez Bosco-renetara garamatzala.
Juan Carlos Meanaren lanean, gorputza antzeman daiteke baina aipamen bat baino ez dugu aurkituko: ohe handi baten itxurako zerbait goitik behera zutik jarrita eta dindilizka dauden igeltsu zatiak eliz eskaintza gisa. Mabi Revueltaren martirologioan ere badago erlijio usaina. Osagai ezberdinak soka luze batzuetan zintzilik daudela, eguneroko jardunak gorarazten dizkigute. San Jenaro, Santa Apolonia eta San Pantaleonen historiekin batera, sufrimendu fisikoak ere agertzen zaizkigu haginak, orratzak eta antzeko elementuak erakutsita.
Objektuen metahizkuntza darabilte lbon Aranberrik eta Juan Carlos Romanek. Itxuraz egitura primarioa da lbon Aranberrik proposatutakoa baina metahizkuntzaren aztarnak ere ikusten ditugu bertan. Ondo zehaztu gabeko objektua da, paradoxaz betea, haurren jolasei lotutako elementuez osatua. Juan Carlos Roman, berriz, objektuaz jabetzen da eta aitzindarien kontestu artistikoari begiratzen dio. Estetikan ere eragina izan nahi du baina, batez ere, gizaki berri bat osatu nahi du. Platerez, ping-pong pilotaz eta arraultzez egituratutako orekak, oso modu egokian laburbiltzen dizkigu Malevitch-en "zuria zuriaren gainean" forma ezin dotoreagoak eta Duchap-en objektuen birkontestuauazioak.
Aske izan nahi izatea eta, ia-ia, musu truk lan egitea, horiexek artearen ezaugarriak. Arteak ezin du etsi, egunerokotasunari eta alfergurari aurre egin behar die, bakardadearen aurka borrokatu eta ospe zein salmenta oihartzunak gainditu. Boterea eta aberastasuna, jarduera intelektual eta artistikotik at dauden baloreak dira. Sorkuntza da, milaka prozedura eta materialetan sakabanatua, artearen norabide bakarra. Kultura sortzaileen lana ez da bere horretan bukatzen. Gizarte osora hedatu behar da. Jakintza zabaldu, islatu, sentsibilizatu behar du, perzepzioa nahasi eta ziurtasunak zalantzan jarri. Zenbaitek esan du kopista dela, milaka aldiz hila, eta, hala ere, mugitzen ari da oraindik.
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