Azkuna Zentroa - Alhóndiga Bilbao, Centro de Sociedad y Cultura Contemporánea del Ayuntamiento de Bilbao, ha presentando hoy los proyectos que más de una veintena de artistas, investigadores e investigadoras desarrollan actualmente en el Centro. En la rueda de prensa han participado el Concejal de Cultura y Gobernanza, Gonzalo Olabarria; el Director del Centro, Fernando Pérez; la Responsable de Programación, Rakel Esparza, y parte de los y las artistas que llevan a cabo sus procesos actualmente en el Centro. Posteriormente se ha celebrado un encuentro en el que cada artista ha detallado su proyecto y el momento creativo en el que se encuentra. 

Azkuna Zentroa desarrolla distintas iniciativas de acompañamiento a la investigación, creación y producción vinculados a sus seis líneas de programación: arte contemporáneo, artes en vivo, cine y audiovisuales, literatura, culturas digitales y sociedad, y que siempre tienen una parte pública, facilitando el acceso de las comunidades de públicos a la reflexión artística contemporánea bien a través de la obra realizada o bien a través de los procesos creativos.

Ellas y ellos aportan a la programación, transcendiendo los formatos tradicionales, trabajan con nuestros públicos y nos acercan a otros contextos tanto en el ámbito local como internacional; y el Centro aporta los recursos, espacios y formación necesarios.

La creación artística se produce en todos los espacios, incluida la sala de exposiciones o la Mediateka, planteada en esta nueva etapa como un lugar para conectar, pensar y crear. 

Aunque es Lantegia. Laboratorio de ideas el epicentro de la creación y de la experimentación en Azkuna Zentroa. Un espacio de trabajo, un taller de experimentación, que a través de diversas herramientas, garantiza su continua innovación, y en el que se establecen distintos tipos de relaciones para favorecer el intercambio, los procesos y la creación artística contemporánea. Y también el lugar abierto, de acceso libre, para todas las comunidades de públicos que quieran acercarse a conocer estos procesos.

En esta estrategia se enmarcan los proyectos de Residencias Artísticas Internacionales y programas como Az Kideaz Artistas e Investigador@s Asociad@s, Babestu, convocatoria extraordinaria de apoyo a la creación; Lanean, Programa de apoyo a procesos; o Komisario Berriak, entre otros. 

BABESTU. CONVOCATORIA EXTRAORDINARIA DE APOYO A LA CREACIÓN CONTEMPORÁNEA

Elena Aitzkoa, Sahatsa Jauregi, Borja Crespo & Raquel Meyers, Iker Vázquez, Irati Inoriza, Maider Aldasoro, Karlos Martínez, Camila Téllez, Josune Urrutia, Miriam Isasi.

Babestu es la convocatoria extraordinaria impulsada por Azkuna Zentroa para apoyar la creación para que artistas y agentes culturales del contexto local puedan seguir desarrollando procesos e investigaciones que se han podido ver afectadas por la crisis del Covid-19. 

En la mayoría de los más de 100 proyectos que se han presentado a esta convocatoria, el proceso tiene una gran importancia, y pone en valor la implicación de la comunidad en los mismos. Se trata de proyectos de artistas y colectivos procedentes del contexto artístico más próximo. Los artistas cuyos proyectos han sido seleccionados son: Elena Aitzkoa, Sahatsa Jauregi, Borja Crespo & Raquel Meyers, Iker Vázquez, Irati Inoriza, Maider Aldasoro, Karlos Martínez, Camila Téllez, Josune Urrutia, y Miriam Isasi.

Además del soporte, asesoramiento y mediación de Azkuna Zentroa, 6.000 euros para desarrollar su proyecto. 

PROYECTOS

Sahatsa jauregi Azkarate

Aizkora

Aizkora es una investigación en la que durante años la artista ha recogido imágenes que señalan la manera en la que se ha construido iconográficamente la historia cultural del País Vasco a través de un objeto concreto: el hacha. Este álbum ha considerado tanto aspectos formales, como simbólicos, sociológicos, biográficos, fílmicos incluso animistas del hacha, creando un cuerpo de referencias que esperan ser apuntaladas en la realidad a través de la escultura.

Sahatsa Jauregi Azkarate (Itaparica, Bahía, 1984) Arte Ederretako Fakultatean (EHU-UPV) lizentziatu zen 2007an eta gaur egun Okela elkarteko partaide da. Banakako zein binakako zenbait erakusketetan hartu du parte: Halfhouse (Bartzelona, 2019), Carreras Múgica (Bilbo, 2016), Montehermoso (Vitoria-Gasteiz, 2011), Taca (Palma de Mallorca, 2019), Gio Bat (Bilbo, 2015) eta Abisal Espazioan (Bilbao, 2009). Baita taldekoetan ere: Reencuentros (Logroño, 2020), Swamp Horses (Espinavessa, 2019), Bi Dos Two, (Azkuna Zentroa, Bilbo 2017) eta Gipuzkoako Artista Berrien Programa (Koldo Mitxelena, Donostia, 2013). Zenbait sari irabazi ditu: Gure Artea Saria (2019), Ertibil-Bizkaia (2017) eta Gipuzkoako Artista Berrien Programa (2013). Egoile gisa egon da Tabakalera (Donostia), Halfhouse (Bartzelona), Bilbaoarte Fundazioan, consonnin (Bilbo) eta Pacific Film Archieven (Berkeley,CA). Erakusketa diseinuan ere aritu da Black is Beltza, Tirabirak eta Archiveras del Humo proiektuetan eta 2015ean Superbia: Ulrike Ottingerren 8 film ko-zuzendu zuen. Zenbait arte eta orohar kultura jaialdietan hartu du parte. Horietatik batzuk aipatzearren, La Cosa en Casa, Feministaldia, T festa edo Iturfest lirateke. 

Raquel Meyers & Borja Crespo

Elige tu propia normalidad

Elige tu propia normalidad nace ante la urgencia de una reflexión crítica sobre las nuevas miradas sobre un futuro que nadie alcanza a descifrar, más allá de la influencia insondable de lo digital. La vida en la red, sin red. El proyecto pretende crear un espacio para el diálogo y la crítica en estos tiempos pandémicos, de cambio que quizás no es tal, de transformación hueca y metas superficiales. 

Urge exponer nuevas visiones futuristas que se acercan sobremanera a las distopías del imaginario colectivo, manejando conceptos tan diversos como la resiliencia, la doble pantalla (PiP), el ruido blanco, la fatiga digital, la teoría del cisne negro, lo invisible... 

Incluyendo una base teórica que parte de la colección de libros «Choose your Own Adventure» (Elige tu propia aventura, en castellano) publicados por Bantam Books a finales de los años 70. Obras de hiperficción explorativa que introdujeron a toda una generación en lo que más tarde se conocería como hipertexto en la era de internet. También inspiran la apuesta creativa las reflexiones sobre la tecnocracia y los algoritmos realizadas por James Bridle en su libro «New dark age: technology, knowledge and the end of the future» (New Left Books, 2018), o las del filósofo italiano “Bifo” Berardi en su libro «Futurabilidad: la era de la impotencia y el horizonte de la posibilidad» (Caja Negra, 2019). Sin perder el imaginario de ‘El caminante’, el manga de Jiro Taniguchi para crear nuestro mapa de posibilidades, o el reciente libro “Pandemia” del filósofo viral Slavloj Zizek (Anagrama, 2020).

Raquel Meyers (aka Raquel Pérez Madrigal): Artista multidisciplinar afincada en Bilbao que define su práctica como mecanografía expandida (KYBDslöjd) cuyo significado podría definirse grosso modo como «destreza manual con un teclado», que materializa los caracteres de texto y las pulsaciones de teclado más allá de la pantalla y cuestiona nuestra relación parásita con la tecnología. Desde 2004 su trabajo ha sido mostrado en centros de arte, galerías y festivales como Ars Electronica, Transmediale, Supernova Digital Animation Festival , Xpo Gallery, Shibuya Pixel Art, La Casa encendida, Eufònic Urbà, Liste Art Fair Basel, The Wrong, ETOPIA, La Gaîté lyrique, Tokyo Blip Festival, Square Sounds Melbourne, BilbaoArte, LABoral, iMAL, VISION’R, VECTOR, LEV, MFRU, BEK, …

Borja Crespo: Bilbao, 1971. Es director, productor cinematográfico, escritor, ilustrador e historietista. Comenzó su vida y milagros en fanzines como "2000 Maniacos", "Subterfuge" o "Quatermass", una gran escuela que siempre defiende. Desde mediados de los años 90 colabora semanalmente en las páginas de El Correo y otras cabeceras de Grupo Vocento como periodista especializado y ha firmado columnas y reportajes en múltiples publicaciones. Ha dirigido videoclips, spots publicitarios, cortometrajes y programas de televisión. También ha realizado labores de asesor y coordinador de eventos en torno al cine y cómic como gestor cultural (actualmente GRAF, Tracking Bilbao, Salón del Cómic de Getxo...). En el campo de la historieta ha publicado varias referencias, así como libros de teoría cinematográfica. Imparte clases de cine y cómic en cursos universitarios y eventos. Es miembro fundador de la productora Arsénico P.C. y Sayaka Producciones junto a Nacho Vigalondo, Koldo Serra, Borja Cobeaga y Nahikari Ipiña. En 2014 dirige, produce y co-escribe la película Neuroworld, basada en el imaginario de M. A. Martín, que participó en numerosos festivales. Actualmente también conduce el programa radiofónico La Hora Caníbal para Bi FM, entre otras labores.

Camila Téllez

Transición primaveral

Desde la autobiografía como referencia de conocimiento situado 1 (Haraway), esta es una investigación que se basa en la memoria del cuerpo y su continua reconstrucción de identidad y transformación de la subjetividad, tomando como referente las controvertidas figuras vampíricas desde la literatura al cine de nuestra fecha, figuras que continúan mutando y dando reflejo a la contemporaneidad. 

La necesidad de revisar la historia de la representación vampírica desde las perspectivas queer, trans y feministas, es una manera de descolonizar una figura de violencia que el vampiro impone, de repensar los roles de dominación/sumisión o agresor/víctima de tal manera, que nos permita asumir esa dualidad en nuestro propio cuerpo. Además, de reivindicar la figura que desde sus comienzos representó el deseo desde otras sexualidades, de revisar la noción de contagio, de morder a otrx, de comerse a otrx, y esa noción de límite, frontera o piel que la acompaña. Así, reivindicar la figura de este monstruo es asumir tanto su poder como su vulnerabilidad.

Camila Téllez (Santiago, CL, 1982). Artista transdiciplinar. Vive y trabaja en Bilbao. Actualmente realiza la mediación de Cuerpos extraños cerca, encuentro interdisciplinar en Markina-Xemein dentro del programa Harriak, Eremuak. Este 2020 inició el proyecto en cuestión, Transición primaveral en residencia dentro del Programa P.I.C.A.(2018-2020) en Azala Espazioa (Álaba). Recientemente, presentó News & letters (de Planta 2 o 3), una serie de vídeo-noticias con forma de canal online dentro de Hiperconectadxs en la web de Tabakalera, que forma parte del proyecto a largo plazo Edificio. Metodologías para una arquitectura naciente, realizado en Bulegoa z/b (2018), con la Ayuda Ikertu (2017) y Planta 0 en Histeria Kolektiboa (2016). Presentó la performance 8 habitaciones en la exposición Bi, Dos, Two, Eremuak (2018). Participó en Prototipoak. Encuentro internacional de nuevas formas artísticas 2018 en Azkuna Zentroa – Alhondiga Bilbao, con el proyecto de intervención espacial MIRADOR. Centro de investigación.

Fue artista residente en Bilbaoarte, 2016; en Kalostra Eskola, 2015 (San Sebastián-Donosti). Cursó el MPECV, Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, versión 2013-14, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Universidad Castilla-La Mancha, Madrid. Durante el año 2012 reside en Berlín, donde participa de PAStudies #27|Performance Art Studio. Se tituló en Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Finis Terrae en Chile, donde se desempeñó como docente de taller de dibujo experimental y teoría del arte, desde el 2004 al 2013.

En su trabajo artístico reciente, investiga desde la performance, autobiografía, escritura, voz e imagen, distintas expresiones de identidad en los espacios que habita, así como las relaciones invisibles con la audiencia y lo público en diferentes propuestas de mediación de los lugares. A participado en diversos proyectos colectivos, colaboraciones y publicaciones con artistas de distintas disciplinas escénicas performativas, audiovisuales, sonoras, experimentales y plásticas.

Josune Urrutia

Onko

Onko es un espacio de pensamiento, reflexión y creación transversal sobre cuestiones en torno al arte y la salud. Involucra a personas que viven experiencias de enfermedad, usuarias y profesionales del ámbito sanitario, de la cultura y/o interesadas en estas cuestiones. 

Es un proyecto que invita a mirar y resignificar algunos modelos que determinan social y culturalmente nuestra relación con la enfermedad. Desde la práctica artística se plantea atravesar límites y lugares comunes que tienen que ver con las políticas de los

cuerpos, los tratamientos médicos y farmacológicos, la patologización, el acceso a la información y divulgación de lenguajes científicos, muchas veces incomprensibles socialmente, o el valor de las redes de apoyo. 

Onko conecta con proyectos de investigación recientes del panorama local e internacional. Proyectos muy diferentes que apuntan en una misma dirección, atienden a una suerte de urgencia del momento histórico cultural que vivimos y miran a la posibilidad que el arte ofrece para pensar esa experiencia llamada enfermedad.

Josune Urrutia: Licenciada en Bellas Artes (2000) por la UPV-EHU y Técnico Superior de Ilustración por la Escuela de Artes y Oficios Número 10 de Madrid (2013), Josune Urrutia se ha formado paralelamente en ilustración, álbum ilustrado y cómic con autores como: Paco Roca, Frederik Peeters, MAX (Francesc Capdevila), Toni Guiral, Pepe Gálvez, Katsumi Komagata, Martin Salisbury, Sophie Blackall, Pablo Auladell, Isol, Elena Odriozola, Raúl Arias y Javier Sáez Castán entre otros.

Como artista, ilustradora y dibujante, está especialmente interesada en procesos y herramientas que requieren del dibujo como medio esencial de comunicación y socialización como son el Graphic recording, la Medicina gráfica en el mundo sanitario o procesos de dibujo colectivo.

Recientemente ha resultado ganadora de una Beca a la creación gráfica: cómics y novelas gráficas (2020) de Gobierno Vasco, fue Mención de honor a Residencia de novela gráfica, Maison des Auteurs Angoulême Francia de Acción Cultural Español (AC/E) y la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image (2018) y becada como residente en Maison des auteurs de Angoulême (2019) por el proyecto Hoy no es el día. Historias políticas de arte y cáncer.

Elena Aitzkoa

Lendia Song

«Construir un cuerpo poético de voz. De imagen viva. Que atraviese el espacio.

Lendia es un lago que nace de una cueva. 

Que se llena y se vacía con respiración de ballena.

Cantar al agua. Yo.

Cantar con otras. Nosotras.

Cantando un Lago. Silencio. Expansión.

Mi madre Mercedes canta. Yo le acompaño cantando. Ella me acompaña tocando el piano.

Sus canciones me las sé de nacimiento, tal como el llanto. La risa.

Juntas cantamos, el paisaje nos envuelve. Abrimos campo de cámara. Mireia graba. Leire baila.

-Una película nana. Lendia Song. Cancionero audiovisual. Lago nómada-

Solita al atardecer soy una bacteria acuática. Zoom de pestaña a hoja aspira en remolino el agua. Marrón, tan marrón que brilla. Negra, vacía y preñada. Son de nada. Céfiro, Piedra,

... y con mi madre, a la mañana, una reina.

CABALGAN CANTAN NADANDO DE FUENTE A LAGO ESTAS TIERRAS…»

Elena Aitzkoa, Apodaka 1984. Su práctica incluye la escultura, el dibujo, la poesía, la performance y la realización de películas. Sus creaciones son un ecosistema heterogéneo que se nutre de elementos físicos y emocionales del entorno más o menos próximo y la experiencia vital. Poniendo el foco y la energía creativa en la configuración poética de la materia y a la belleza como elemento vincular entre los seres.

Entre sus últimos proyectos destacan la exposición Zarza Corazón (2019), en el Museo Patio Herreriano de Valladolid; el vinilo de poemas y silbidos Paraíso Terrenal (2019); la película Nuestro amor nació en la Edad Media (2018) y el ciclo de performances Headscarfs close to the Ground en el marco de OsloPilot (2016).

Colectivamente y en el ámbito de la performance ha mostrado su trabajo internacionalmente en países como: Inglaterra, Italia, Japón, China, EEUU, Portugal, Noruega o Suecia.

Maider Aldasoro

Eterno Noeterno

«Hacer desde el cuerpo. Desde yo. Desde la mentira. Hacer desde el deseo, pero no es

mi deseo.

Un cuerpo que nace solo, nace errado. Únelo.

En el hacer está la fuerza. Si no lo performo no existe, si no se comparte no tiene

sentido.

Mi trabajo es performativo, siempre es con otras y en presencia de otras. Siempre lo

grabo. Los instantes, las sorpresas quedan recogidas eternamente. En mi memoria y

en la de otras. Lo que ocurre entre dos ahora ocurre entre cientos, puede que hasta

miles. El comentario queda grabado. Las redes ayudan. Lo intimo, lo que ocurre entre

tu y yo, la vecina y su marido, el alcalde y su mujer, ahora es de todas.

Lo eterno perdura».

Maider Aldasoro: Graduada en Bellas Artes por la UPV-EHU. Máster en Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid. Desde 2019 formo parte de un colectivo dedicado al arte, mediación y proyectos colaborativos junto con Ane Rodriguez Zaitegui. Hemos trabajado para CA2M Madrid, el museo San Telmo de Donostia, Luzatu Gau Irekia de Sarean (Bilbao) y el ayuntamiento de Donostia. En mi práctica individual trabajo dentro de lo performativo, del diseño experimental y el vídeo, e investigo modelos de relación y conducta entre sujetos y las dinámicas asociadas a ellas. También me dedico a la ilustración, diseño y animación.

Irati Inoriza

Nadie se baña dos veces en el mismo río, sino en el pantano mismo 

Nadie se baña dos veces en el mismo río, sino en el pantano mismo se presenta como instalación audiovisual, articulándose a partir de varias performances y archivo antropológico que sustenta nuestras identidades, a través de la plástica corporeidad, con su realidad, signo y metáfora. Evidenciando cómo los síntomas y problemáticas de nuestra contemporaneidad han llegado hasta lo más sensible y sensitivo de nuestro cuerpo social. Articula tal devenir mediante las acciones generadas desde un interés concreto, un reencuentro. Durante la cuarentena volví al espacio donde habitaba en mi infancia, donde cuatro árboles y un flujo constante de agua en movimiento y en su estado de espejo, se convertían en todos mis paisajes posibles. Retomará ese reencuentro creando una escena que evoque al Jardín de las Delicias, el tiempo suspendido de Tartovsky, la Ofelia prerrafaelita o la oscura fantasía contemporánea de Billie Eilish, reunidxs todxs dentro de la prosa de María Salgado.

Irati Inoriza (Balmaseda, 1992) Doctoranda en Investigación en Arte Contemporáneo por la Universidad del País Vasco, especializó sus estudios en el Atelier de Performance de la Universidad de Brno (R. Checa, 2014). Seleccionada por Injuve 18/19, el programa expositivo de Montehermoso (Vitoria, 2019) y Gobierno Vasco en Producción Artística 2019, sus piezas han sido expuestas en la Sala Amadis (Madrid, 2020), Sala Rekalde (Bilbao, 2020), ZSenne Art Lab (Bruselas, 2019), Pablo’s Birthday Gallery (NY, 2019) y A-DASH Space (Atenas, 2018). Ganadora del premio Exposición de Artista Casal Solleric 2017, ha realizado diferentes residencias artísticas en Huarte (Navarra, 2019), L’Estruch (Barcelona, 2017), Bilbao Arte Fundazioa (Bilbao, 2016) y Farm Cultural Park (Sicilia, 2014).

Iker Vázquez

Az Reality Lab

El proyecto Az Reality Lab pretende ser un espacio efímero de trabajo sobre la representación de la mujer. Se trata de un proceso participativo abierto a mujeres creadoras, con el fin último de proponer nuevas representaciones que articulen alternativas a la cosificación simbólica actual. El proceso de trabajo quiere ser el marco de discusión temporal donde las participantes aborden la naturaleza del concepto de musa y su uso como modelo y referencia, repensando la visión de la mujer como inspiradora para ayudar al cambio de paradigma de mujer como creadora. Se pretenden desarrollar nuevas iconocidades utilizando material digital 3D. Para conseguirlo se desarrollará durante seis meses un espacio de experimentación técnica y de creación artística donde se investigarán las posibilidades creativas y expositivas de las tecnologías de Realidad Aumentada (RA), todo ello con la intención de posibilitar nuevas creaciones mediante un viaje hacia lo inexplorado, generando nuevas fusiones e interconexiones.

Iker Vázquez: Artista, investigador, diseñador, programador y knowmad, es sobretodo un creador que trabaja en proyectos que conectan el pasado y el presente mediante la búsqueda y la recopilación, desarrollando procesos y dispositivos que combinan lo analógico y lo digital y hablando de lo global desde lo local. Sus obras y proyectos surgen desde la concepción del arte como herramienta para el cuestionamiento y la experimentación. En un mapa imaginario de disciplinas sus procesos le sitúan sobre las líneas simbólicas que suponen el límite entre ellas, diluyendo y expandiendo sus fronteras para tratar los temas y conceptos que vertebran sus obras, sobretodo el tiempo y el espacio que vivimos. Los últimos años se ha centrado en instalaciones efímeras en el espacio público usando diferentes técnicas y metodologías experimentales: usando pintura fotoluminiscente, creando juegos urbanos, cambiando los usos habituales de los elementos publicitarios y buscando conexiones con agentes locales para desarrollar proyectos participativos.

Miriam Isasi

Resina, brea y glicerina

Investigación vinculada a la identidad del paisaje que toma como punto de origen el uso de las plantas medicinales y sus sistemas inmunológicos. La búsqueda dará comienzo en los bosques de coníferas, tomando la resina en roca como hilo conductor a lo largo del desarrollo del proyecto. Destilados, tinturas y ungüentos que derivan en un formato escultórico a través de materiales como: glicerina, trementina, resinas o brea. Nomenclaturas y aglutinantes como método de búsqueda y formalización. Durante el proceso de desarrollo se investigarán los vínculos entre plantas y curanderismo, cultura popular y tradición entorno a los recursos naturales, uso y empleo de las diferentes plantas así como su análisis más técnico desde la botánica. Con el objetivo de acercarnos desde un lenguaje plástico a la etnobotánica como concepto natural de comprensión de nuestro contexto.

Miriam Isasi es Doctora en Bellas Artes por la EHU/UPV, realizando su estancia internacional en la UNAM de México. Ha participado en programas de residencia en la Academia de España en Roma (Italia), Artista x Artista (Cuba), Fundación Bilbaoarte, Kunsthaus en Bregenz (Austria), EAS-EZE Bitamine Faktoria (Irún-Buenos Aires), MA Studio en Pekín y en la Universidad Nacional Autónoma de México. Desde un posicionamiento contemporáneo, genera un discurso que se construye a partir de guiños a la antropología, la historia, el activismo, el paisaje y la memoria. Ha participado en diferentes exposiciones en ARTIUM, Centro Cultural Montehermoso Azkuna Zentroa Alhóndiga, Fundación BilbaoArte, Academia de España en Roma, Academia San Fernando, Museo Guggenheim de Bilbao, MUSAC , HUARTE, CAB o Museo San Telmo entre otros. En estos momentos trabaja con Talka Galería en la producción y visualización de algunos de sus últimos proyectos.

Karlos Martinez B.

Plan K. Gut

PLAN aspira a ser un espacio discontinuo dedicado a la presentación de proyectos de arte, el cual pretenderá insertarse en otros lugares diferentes a las habituales salas de exposiciones y auditorios, estableciendo diálogos transversales entre diferentes agentes e instituciones, forjando redes que generen formas de colaboración.

Un espacio en línea desde el que mostrar y analizar obras audiovisuales dirigidas por artistas cuya producción se encuentra en los márgenes de la creación contemporánea. La plataforma PLAN trabajará preparando un programa híbrido, que tendrá en cuenta sobre todo la calidad artística, la relevancia de su contenido y la innovación o investigación que el trabajo aporta. La pieza de vídeo seleccionada será introducida por una conversación con la artista invitada a través de unas jornadas realizadas por un grupo de investigación creado mediante una convocatoria abierta (comunidades de públicos de Azkuna Zentroa) y por invitación (agentes culturales) en la que realizar una serie de ejercicios prácticos que sirvan para enunciar la imagen con la que la artista trabaja.

Karlos Martinez B. Artista y gestor cultural. Su trabajo se centra en cuestiones ontológicas para centrarse en problemáticas relacionadas al acceso. Ha estado implicado en tareas de diversos proyectos culturales a través de procesos de gestión, promoción, producción, mediación y pedagogía artística recibiendo varios premios y becas artísticas desarrollando proyectos en Bilbao, Donostia, Vitoria, Madrid, Barcelona, Mánchester, Londres, Leipzig, Lisboa, Córdoba (Argentina), Montevideo o Argel en organismos como UPV, Museo Oteiza, Museo Guggenheim Bilbao, Bulegoa Z/B, Sala Rekalde, Praline ArtistRunSpace, CAN Felipa, D21 Kunstraum, C.C Montehermoso, Galería Fabra i Coats, Espacio Abisal, La Casa Encendida, Fundación BlueProject, Espai dÁrt Contemporani de Girona, Tabakalera San Sebastian, Museo Artium de Vitoria, Espacio Azala, Synagogue de Delme, Okela, La Enkartada, Ayuntamiento de Durango, Ayuntamiento de Zarauz 

RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Tractora Koop. E., colectivo residente

Tractora, la cooperativa de artistas formada por Usue Arrieta, Vicente Vázquez, Ainara Elgoibar, Marc Vives y Nader Koochaki es el nuevo Colectivo Residente en Azkuna Zentroa. Durante dos años, este colectivo desarrollará en el Centro el proyecto Kinu, grupo de autoformación avanzada en arte del tiempo –considerado una intersección de distintas técnicas, materialidades y formas que convergen en el lenguaje plástico. 

El proyecto, impulsado por dos de las integrantes del colectivo, Usue Arrieta y Ainara Elgoibar, pretende ser una plataforma para programar, ver y discutir sobre producciones audiovisuales de artistas. Tractora plantea Kinu como una herramienta para compartir experiencias creativas y, a través de ellas, abrir espacios fértiles para la producción y formación de agentes locales, y por tanto, para la comunidad, partiendo de las necesidades y deseos de las personas participantes. Kinu’ es también la palabra que se utiliza en vizcaíno para referirse al gesto, un movimiento que expresa algo sin decirlo, como el guiño que se le hace a la pareja de mus para hacer avanzar el juego.

En el marco de Kinu se invitará trimestralmente a un o una artista en torno a cuyo trabajo girarán tres tipos de actividades. Para comenzar, una presentación pública de su obra seguida de un pequeño debate. Después, una sesión dirigida por el o la artista junto con un grupo de trabajo más o menos estable (Lantaldea) de uno o dos días, cuya dinámica se diseñará a la medida de cada persona invitada. Y por último, un texto (Distirak) elaborado por una persona del grupo de trabajo donde se recoja la experiencia de cada Lantaldea.

El primero de los Kinu tuvo lugar el pasado 17 de septiembre, en el marco de la Jornada de puertas abiertas a la creación artística.

Residencia en Danza Contemporánea

Convocatoria abierta hasta el 5 de abril de 2021

La residencia de Danza Contemporánea se lleva a cabo en colaboración con el Centro de creación y exhibición de danza Dansateliers, Róterdam (Holanda). Esta residencia dirigida a profesionales de la danza, se desarrolla en dos etapas. La primera, en Azkuna Zentroa (Bilbao), donde se trabajará el proceso de investigación y creación de una pieza coreográfica. La segunda fase tendrá lugar en Róterdam, en las instalaciones de Dansateliers. Durante esta segunda fase, la persona residente contará con el asesoramiento y mentoring artístico del equipo de Dansateliers para el desarrollo de su trabajo. Paralelamente, Dansateliers Róterdam seleccionará a una persona coreógrafa vinculada al contexto holandés para que haga un recorrido similar entrando en diálogo con la persona residente seleccionada en la presente convocatoria. Las dos piezas se estrenarán conjuntamente en Róterdam y en Azkuna Zentroa.

Residencia en Prácticas Artísticas 

Convocatoria abierta hasta el 5 de abril de 2021

La residencia de Prácticas Artísticas promueve el intercambio entre artistas de Cuba y Euskadi a través de un período de investigación en ambos espacios que favorece la investigación y el trabajo en diferentes contextos artísticos y locales. Esta residencia se realiza en colaboración con el programa Artista x Artista que el Estudio Carlos Garaicoa lleva a cabo en La Habana. La persona seleccionada en Bilbao desarrollará la primera etapa de la residencia en Cuba. Paralelamente, el Estudio Carlos Garaicoa y Azkuna Zentroa han seleccionado a la artista cubana Dayana Trigo Ramos para que haga un recorrido similar entrando en diálogo con el o la artista residente en Bilbao, durante su estancia en el Centro. La residencia de Prácticas Artísticas culmina con una exposición del trabajo de ambos creadores o creadoras en Azkuna Zentroa.

Para desarrollar estas residencias Azkuna Zentroa cuenta con la colaboración de Fundación Banco Sabadell que apoya el programa de residencias artísticas, dentro de su programa de fomento y difusión del arte y la cultura; y del Instituto Vasco Etxepare, cuya misión es defender la lengua y la cultura vasca por todo el mundo.

AZ-KIDEAK. ARTISTAS E INVESTIGADOR@S ASOCIAD@S A AZ

Sra. Polaroiska, Oscar Gómez Mata, Aimar Arriola, Laida Lertxundi, Isabel de Naverán

En el marco de este plan de impulso a la creación, el Centro refuerza el programa Az Kideaz – Artistas e Investigador@s Asociad@s, el primero de estas características en el contexto vasco, con nuevas incorporaciones. Se trata del comisario e investigador Aimar Arriola, la artista Laida lertxundi, y la investigadora Isabel de Naverán. Además, continúan sus procesos creativos Sra. Polaroiska (Alaitz Arenzana y María Ibarretxe) y Oscar Gómez Mata.

Sra. Polaroiska. Consejo de sabias

A través del programa Az-Kideak, Sra. Polaroiska (Alaitz Arenzana y María Ibarretxe) continúa su proceso creativo en torno a la creación de referentes y el empoderamiento de las mujeres mayores. Actualmente, desarrollan el proyecto Consejo de sabias, un dispositivo de encuentro intergeneracional, con mujeres mayores, referentes de diferentes ámbitos sociales y profesionales. 

EL COLECTIVO SRA. POLAROISKA está formado por Alaitz Arenzana y Maria Ibarretxe. Su obra gira en torno al cine experimental, el arte de acción, la creación escénica y la coreografía. Ganadoras del Premio Gure Artea 2017 por el reconocimiento a su actividad creativa, sus piezas escénicas y audiovisuales han sido expuestas en numerosos Centros de Arte y Festivales Internacionales.

Oscar Gómez Mata. Makers

Oscar Gómez Mata desarrolla como Artista Az-Kidea, artista asociado, junto con el actor Juan Loriente, el proceso creativo de su nueva producción, Makers, una obra sobre la luz, el tiempo y el amor que se estrenará en Azkuna Zentroa en 2021. Además, ha activado junto a la artista Espe López el Catálogo de derivas, que tiene como fin trabajar la observación y la exploración de los paisajes urbanos cotidianos. Para experimentar las derivas, solo hay que solicitarlas en Az Info.

OSCAR GÓMEZ MATA (Donostia, 1963) vive y trabaja en Suiza, en Ginebra. Actor, director y también autor y escenógrafo, empieza sus actividades teatrales en España donde, en 1987, es cofundador de la Compañía Legaleón-T, con la cual crea espectáculos hasta el 1996. En Ginebra en 1997, funda la Compañía L’Alakran por la cual firma la dirección, la concepción, la dramaturgia o los textos de varios espectáculos. Premio nacional suizo de teatro en 2018.

Aimar Arriola

El comisario e investigador Aimar Arriola es durante dos años Investigador Asociado a Azkuna Zentroa. Trabajará en torno a la relación entre la perspectiva queer/cuir y el arte dentro de la programación del Centro. Esta investigación, titulada ‘Un deseo, una forma’ enlaza con su trabajo más reciente en torno a temas de cuerpo y archivo dentro del campo de la cultura visual, con cuestiones más específicas relativas al arte y la plástica.

AIMAR ARRIOLA (Markina-Xemein, 1976) trabaja como comisario, editor e investigador. Es doctor por el Departamento de Culturas Visuales de Goldsmiths, Universidad de Londres. Actualmente, es docente colaborador del Grado en Artes de la UOC Universitat Oberta de Catalunya y editor-jefe de The Against Nature Journal (Council, París), que toma como punto de partida el concepto de ‘contra natura’ en las leyes que aún persiguen identidades de sexo y género.

Laida Lertxundi

Laida Lertxundi será Artista Asociada a Azkuna Zentroa a partir de 2021, y desarrollará el trabajo Escuela efímera, un proyecto que consta de ocho talleres con el objetivo de crear un experimento pedagógico fuera de las fronteras de las instituciones académicas. 

LAIDA LERTXUNDI, Premio Gure Artea 2020, realizó un Máster en Bellas Artes en el Instituto de las Artes de California y una BFA de Bard College. Ha expuesto su trabajo en solitario en museos, festivales y galerías internacionalmente. Es profesora de Bellas Artes y Humanidades en el Art Center College of Design en Pasadena.

Isabel de Naverán

Isabel de Naverán será la nueva Investigadora Asociada a Azkuna Zentroa desde 2021. Doctora en arte por la UPV/EHU e investigadora en danza, estudia procesos de danza actual y coreografía contemporánea para de ellos deducir conceptos, proponer preguntas y activar modos de producción artísticos o discursivos. 

ISABEL DE NAVERÁN (Bilbao, 1976) es actualmente asesora de danza del Museo Reina Sofía de Madrid. En 2010 funda, junto a Leire Vergara, Miren Jaio y Beatriz Cavia la oficina de arte y conocimiento Bulegoa z/b en Bilbao. Es miembro de ARTEA (Madrid), profesora del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM) y del Máster Investigación y Creación en Arte (UPV/EHU). Entre 2016 y 2018 fue comisaria de ‘Elipsiak’ en Azkuna Zentroa, un ciclo dedicado a la transmisión corporal en danza.

LANEAN. PROGRAMA DE APOYO A PROCESOS

Macarena Recuerda Shepherd

El objetivo de Lanean. Programa de apoyo a procesos artísticos es apoyar la producción de obras artísticas, acercándolas a las comunidades de públicos, ya sea a través de la obra realizada o a través de los procesos creativos.

A través de Lanean, creadoras y creadores cuentan con las condiciones materiales y espaciales necesarias para desarrollar proyectos vinculados con la programación y las líneas de acción del Centro.

Lanean. Programa de apoyo a procesos artísticos ha arrancado con la artista Macarena Recuerda Shepherd, quien trabaja en el proceso creativo de su pieza ‘The watching machine’.

MACARENA RECUERDA SHEPHERD es el seudónimo de la artista Lidia Zoilo. Creadora, bailarina y artista visual, ha creado diferentes piezas entre las que se encuentran That's the story of my life (2010) película realizada en directo; Greenwich Art Show (2012), documental realizado en directo; Greenwich Art Show-The Installation (2012. Beca Atrio AlhóndigaBilbao); Whose are those eyes? (2013), sit specif e intervención. Actualmente se encuentra de gira con la pieza ¡AY! ¡YA! con más de 60 funciones cerradas.

KOMISARIO BERRIAK

Mario Paniego

El artista visual y conceptual Mario Paniego presenta el proyecto Espacio Publicitario (espacio público /espacio publicitario) en el marco de Komisario Berriak, el programa de apoyo a la práctica del comisariado e impulso a la generación y consolidación de nuevos profesionales del mundo del arte. 

Un proyecto de colaboración del departamento de cultura y política lingüística del Gobierno Vasco con Akuna Zentroa (Bilbao), Artium (Vitoria) y Tabakalera (San Sebastián).

El proyecto expositivo de Mario Paniego pone el foco en la presencia de la publicidad en el entorno y el ruido que produce en la vida diaria de las ciudades, «arrebatándonos buena parte del espacio público y personal», afirma el artista.

En este sentido, Espacio publicitario (espacio público / espacio publicitario), seleccionada entre 18 propuestas presentadas a la convocatoria, propone una revisión sobre el auge de la publicidad en nuestras vidas y especialmente en el espacio público. 

Tal y como recuerda el artista visual, su interés por desarrollar este proyecto «nace de la experiencia de ver cómo en los últimos años en Bilbao se ha ido incrementando la publicidad en el espacio público mientras que en otras ciudades del mundo, por contra, se ha ido reduciendo a base de iniciativas ciudadanas y de normativas municipales».

El proyecto se estructura en tres partes. En una primera, toma como caso de estudio diferentes ciudades del mundo que han restringido el uso de la publicidad en el espacio público, mostrando cómo han sido estas iniciativas, su desarrollo e implantación. En la segunda, mostrará la práctica artística, activista de diversos colectivos y artistas de todo el mundo que trabajan en torno a esta temática, bien utilizando los soportes publicitarios para sus propuestas o el espacio público para generar reflexión social. En última instancia, el proyecto se abre a la participación ciudadana en torno a la presencia de la publicidad en el entorno. 

MARIO PANIEGO (Bilbao, 1978). Es un artista conceptual y visual. Para él, el arte es una excusa para vivir y una manera de descubrir el mundo y a sí mismo. 

Licenciado en Bellas Artes por la University of the West of England, realizó sus estudios de doctorado en la Universidad del País Vasco, donde obtuvo el DEA, Diploma de Estudios Avanzados en Pensamiento y Praxis del Arte Actual. Posteriormente cursó un Máster en Gestión de Diseño (Universidad del País Vasco) y un Máster en Gestión Cultural (Universidad de Alcalá de Henares).

Ha mostrado sus trabajos en varios países. 

LANTEGIA. RESIDENCIAS-LABORATORIO 

Amparo Badiola, Gema Intxausti, Susana Talayero. 

Las artistas Amparo Badiola, Gema Intxausti y Susana Talayero trabajan en Scriptbarik, un proyecto colaborativo que se desarrollará en la residencia-laboratorio que tiene lugar en el Espacio BAT. Este trabajo es un experimento que se irá articulando a un ritmo orgánico y en relación a las diversas disciplinas que configuran la práctica de trabajo de las tres artistas coautoras y participantes en el proyecto: danza (Amparo Badiola), escultura (Gema Intxausti) y pintura (Susana Talayero).

Scriptbarik se basa en la intervención de cada una de las artistas en el trabajo de las otras, mediante la propuesta de una serie de ejercicios concretos que irán conformando el proyecto en el propio proceso de hacerse.

AMPARO BADIOLA (Bilbao, 1958) es licenciada en Medicina por la UPV/EHU y realizó estudios no reglados de danza entre Bilbao y Londres, donde reside de 1988 a 2003. Compagina su labor creativa con el trabajo didáctico y de investigación sobre el movimiento. Su última creación escénica, Palabras Invisibles, se presentó e London Elixir Festival y en Sala Baratza, Vitoria-Gasteiz, 2014.

GEMA INTXAUSTI (Gernika- Lumo, 1966) trabaja en el campo de la escultura, el dibujo y la narración fílmica. Después de sus estudios de Bellas Artes por la UPV/EHU, se traslada a Londres donde vivió y estudió Cine. Fue premio Gure Artea a la trayectoria artística en 2018. Ha expuesto en La Taller, Bilbao (2019), en

Carreras Múgica, Bilbao (2016) y recientemente ha presentado Entre la multitud, observando el arresto en Artium, Vitoria- Gasteiz (2020).

SUSANA TALAYERO (Bilbao, 1961). Su trabajo en torno a la pintura y el dibujo se extiende de manera ocasional al vídeo. Tras licenciarse en Bellas Artes por la UPV/EHU se trasladó a Roma donde residió entre 1986 y 1996. Recientemente ha expuesto en Carreras Múgica (2019) y en el Museo Bellas Artes de Bilbao (2016).

Coordina, en colaboración con Amparo Badiola, el proyecto L’occasione, una iniciativa de encuentros públicos en Bilbao. Recientemente ha recibido el VII Premio Vila de Santanyí de Artes Visuales, Mallorca (2019).

Iván Gómez

El artista Iván Gómez desarrolla ‘La prospección de Kairós’, que se inaugura el 19 de noviembre en el espacio BAT de Lantegia, Laboratorio de ideas. Un dispositivo metodológico para la investigación que, a través de distintas fases de trabajo propuestas como Capítulos, busca recontextualizar la noción de «entre» como constitución de un cierto «espacio de saber». 

IVÁN GÓMEZ (Irún, 1984). Licenciado en Bellas Artes (UB), continuó su formación en la Escuela de Cine de San Antonio de Los Baños (Cuba). Realizó un máster en Investigación y Creación en la UPV/EHU, donde continúa su labor como investigador. Sus piezas se han visto en BilbaoArte (Bilbao), museo MAMM (Medellín), Pärnu International Film and Video Festival (Tallín), Espai Cultural Caja Madrid (Barcelona), Museo Vostell Malpartida (Cáceres), La Casa Encendida (Madrid), y otras ciudades como Berlín, Bruselas o New York. Como mediador ha impartido varios talleres y seminarios, y promueve un programa de mediación en la Sala Rekalde de Bilbao.a

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